Las 40 mejores peliculas japonesas

Las 40 mejores películas japonesas

¿Qué vas a leer?

Los cines nacionales van y vienen de la cima, que actualmente está dominada por Corea, al igual que Hong Kong hace algunas décadas, pero lo cierto es que el único que se ha mantenido en la cima desde sus inicios (quizá con la excepción de los años 80) es el japonés. Ya sea a través de los favoritos de los festivales, como Koreeda, Kawase, Kiyoshi Kurosawa, o a través de los más cultos, como Miike, Sono, Toyoda, o a través de varios recién llegados, el cine japonés sigue causando impacto, demostrando tanto su calidad actual como su potencial para los años venideros. La década que acaba de pasar es otro testimonio de ello, y las películas que encontrarás en esta lista, la prueba más clara.

En un esfuerzo por seleccionar algunas de las mejores películas japonesas de la década (2011-2020), hemos seleccionado las 40 que, en nuestra opinión, destacan realmente por su calidad, su impacto y el puro entretenimiento que ofrecen. El orden de esta lista podría ser diferente, por supuesto, y el número mucho mayor, pero nuestro esfuerzo se ha centrado en presentar grandes películas y no en catalogarlas todas, siempre centrándonos en la diversidad de estilos, temas y cineastas

Sin más preámbulos, aquí están las 40 mejores películas japonesas de la década, en orden inverso.

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40. Wet Woman in the Wind (Akihiko Shiota, 2016)

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«Mujer mojada en el viento» es un seductor largometraje sobre la tentación, la seducción y la idea de la pretenciosidad, especialmente en el ámbito artístico. Aparte de las excitantes escenas de sexo, la obra de Akihiko Shiota es una gran mezcla de comedia e incluso de romance.

39. Siblings of the Cape (Shinzo Katayama, 2018)

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Incluso tocar una historia así se consideraría tabú, pero Katayama dirige una película que no se anda con rodeos en la presentación de los sucesos mencionados, incluidas las escenas de sexo. A través de este enfoque bastante chocante, hace un comentario extremadamente duro sobre los humanos y su comportamiento. Yoshio es llevado a tales extremos debido a su pobreza adormecida y a su incapacidad para cuidar tanto de su hermana como de sí mismo, en un destino en el que no tuvo mucho que ver. Sin embargo, este destino no justifica en absoluto sus acciones, y en particular el hecho de que, con el tiempo, se acostumbre a sus actos. El hecho de que es un delincuente se presenta en varios casos, pero sobre todo en la pelea con los niños de la escuela, que pone de manifiesto tanto las dificultades de lo que hace como lo bajo que ha caído.

38. R100 (Hitoshi Matsumoto, 2013)

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«R100» es una experiencia cinematográfica que se adentra en lo absurdo, se divierte rompiendo la cuarta pared del cine y es realmente, aunque a veces sea bastante desordenada, un viaje interesante y agradable. Eso si puedes superar algunas escenas bastante impactantes. Loca y atrevida, sexy y absolutamente opuesta; el nuevo punto álgido (o probablemente para algunos, el nuevo punto más bajo) de Matsumoto en la realización de películas. Tengo curiosidad por saber cuál será su próximo movimiento, porque no puede haber nada más loco que esto, ¿verdad?

37. Asako I & II (Ryusuke Hamaguchi, 2018)

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Otro punto central de la narración son las diferencias radicales entre las dos relaciones que establece Asako. La primera es onírica, y se produce a través de circunstancias que rozan lo milagroso, lo muy irreal si lo prefieres, con la forma de actuar de los dos amantes (tras el accidente, por ejemplo) y la manera en que Baku desaparece intensificando esta noción. La segunda, en cambio, es la más típica, realista y algo anodina, que demuestra, sin embargo, algo que realmente puede sostenerse. La forma en que Asako reacciona ante la reaparición de Baku parece dar a entender lo difícil que puede ser dejar atrás tu pasado y, al mismo tiempo, lo difícil que es elegir la sostenibilidad por encima de la perspectiva de un sueño hecho realidad.

36. 0,5 mm (Momoko Ando, 2014)

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Adaptada de su propio libro, «0,5mm» de Momoko Ando es una extravagante road movie que sigue a Sawa (Sakura Ando, hermana de Momoko), una misteriosa joven de múltiples capas con talento para cuidar y atender a los ancianos. En la narración episódica, ella se cuela engañosamente en la vida de varios ancianos y, a cambio, hace surgir la alegría en sus vidas. No sabemos nada de ella, bar que perdió el útero por una enfermedad, y sin embargo es la quintaesencia del espíritu maternal, no sólo para los ancianos sino también para la joven que conoce en el final abierto totalmente satisfactorio. También podría ser la conciencia de la vieja generación de Japón, una generación plagada de culpa y arrepentimiento por las atrocidades de la guerra. ¿O no podría? 3 horas y 16 minutos de pura alegría cinematográfica.

35. Orphan’s Blues (Riho Kudo, 2019)

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La directora Riho Kudo utiliza las emociones y los estados de ánimo como un recurso narrativo en el que la narración deja cierta opacidad aquí y allá. La historia está ligeramente trazada, y luego cobra vida con vívidas pinceladas de intensas emociones. Ver a Emma defendiéndose de su enajenación, empeorando rápidamente y pasando de la confusión preocupada a la demencia inconsciente, es desgarrador. «Orphan’s Blues» es una película que se mete en tu piel y Yukino Murakami brilla realmente en el papel de Emma, ofreciendo una interpretación muy física con sólo escasas líneas de diálogo.

34. The Great Passage (Yuya Ishii, 2013)

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Yuya Ishii dirige una película genuinamente japonesa, en cuanto a tema, estilo y ritmo, en la dificilísima tarea de convertir la compilación de un diccionario en una película entretenida. El hecho de que consiga presentar una serie de escenas muy interesantes en el mundo de los vocabularios, que está lleno de fichas y hojas de Excel, es su mayor logro.

33. 100 Yen Love (Masaharu Take, 2014)

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Finalmente, «100 Yen Love» es una historia sobre no rendirse, sobre hacerse más fuerte y crear una nueva perspectiva sobre la vida y sobre uno mismo. Aunque su historia no sea la más original y se alargue a veces, su actuación central, así como el discreto enfoque del guión de Hirofumi Arai, hacen de «100 Yen Love» una experiencia bastante conmovedora. Esto es especialmente cierto en el final, magníficamente rodado y actuado.

32. Along The Sea (Akio Fujimoto, 2020)

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Desde el punto de vista narrativo, la película aborda una serie de aspectos de la vida cotidiana de los inmigrantes en el país, y en particular de las mujeres, muy poco representados en la gran pantalla. El modo en que las tratan sus empleadores japoneses, considerándolas esencialmente algo muy parecido a los esclavos, los problemas a los que se enfrentan por no hablar el idioma correctamente o en absoluto, el hecho de que no puedan recibir atención médica al no tener permisos legales para trabajar y vivir en el país, y el inevitable trato con personas que falsifican papeles por tarifas exuberantes, se destacan aquí con todo detalle y con el máximo realismo.

31. First Love (Takashi Miike, 2019)

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El último thriller noir de Miike sobre el mundo de las bandas, «Primer Amor», es indudablemente un éxito de público y -hay que decirlo- probablemente no caerá demasiado bien entre los fans acérrimos de Miike que esperan una locura total. Sin embargo, es innegablemente bastante entretenida y merece la pena relajarse, olvidar las expectativas educadas y disfrutar de la medida y el método en la locura que el director Miike y el guionista colaborador habitual Masara Nakamura han adoptado esta vez.

30. One Cut of the Dead (Shinichiro Ueda, 2017)

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Francamente, se trata de un esfuerzo excepcionalmente agradable que por fin ofrece una visión única del género de los zombis, que proviene de un montón de personajes fuertes y situaciones ingeniosas. Definitivamente, merece la pena para aquellos que busquen algo nuevo en el género o que sepan apreciar comedias de zombis extrañas como ésta, mientras que otros que ni siquiera estén de acuerdo con eso deberían tener cuidado con la película.

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29. Tezuka’s Barbara (Macoto Tezka, 2019)

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Evidentemente, «Bárbara» no es una película dirigida a los obsesionados por el contexto, las historias reales, etc. Sin embargo, el cine también puede funcionar a otros niveles que se centran en la estética, los efectos visuales y el estilo, y ahí es exactamente donde la película de Macoto Tezka prospera. Deja que tu cerebro se desconecte y disfruta simplemente de la imagen.

28. Helter Skelter (Mika Ninagawa, 2012)

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El guión aborda el concepto de estrellato y a qué extremos puede llevar la búsqueda constante de la moda. El mensaje sobre la sociedad japonesa contemporánea es evidente: Todos los valores se han comercializado, y la belleza y las apariencias lo son todo, hasta el punto de ser grotescas. El estrellato es como un cáncer y las personas que lo persiguen están destinadas a hundirse profundamente al final, después de que su tiempo frente al objetivo haya pasado inevitablemente.

27. The Wind Rises (Hayao Miyazaki, 2013)

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«El viento se levanta» cuenta la historia de Jiro Horikoshi, un hombre que diseñó aviones de combate para Japón durante la guerra, pero que con el tiempo empezó a sentir arrepentimiento por su fabricación de estas máquinas de la muerte. Esta vez, Miyazaki se ha abstenido del realismo mágico de su anterior película, y en su lugar ha rodado un biopic a través de una narración anticuada, llena de nostalgia y romanticismo. A través de este escenario, y de la historia de Jiro, Miyazaki presenta la lacra de la guerra y sus consecuencias en las personas, aunque el foco de atención siguió siendo la historia romántica que protagoniza la película.

26. Night is Short, Walk on Girl (Masaaki Yuasa, 2017)

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Si tuviera que utilizar una palabra para describir la película, sería implacable. Empezando por los ingeniosos diálogos, continuando con la animación en constante movimiento en ángulos extremos de los personajes y el fondo, y terminando con el absurdo collage de episodios extremos que forman la historia, el anime no se detiene en ningún sitio y ni siquiera durante un minuto. Dentro de este caótico escenario, Yuusa, y el guionista, Makoto Ueda (que se basó en la novela homónima de Tomihiko Morimi) consiguen introducir mucho humor, pero también una serie de comentarios sociales. Las personas mayores y su forma de enfrentarse al mundo, la percepción del tiempo, los libros, el arte, la amistad y el compañerismo, el amor y el romance, y sus dificultades, se examinan aquí a través del filtro de la embriaguez, y en una extravagancia de colores que hace que el anime sea delirantemente divertido.

25. Bad Poetry Tokyo (Anshul Chauhan, 2017)

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Rodada en dos semanas, «Bad Poetry Tokyo», es una obra de arte impresionante. Por supuesto, tiene sus momentos largos causados por el escaso uso del corte. Por tanto, Anshul Chauhan juega con las reglas del drama japonés, pero lo adereza creando un oscuro y agitado cuento de hadas al revés.

24. Blade of the Immortal (Takashi Miike, 2017)

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La estrella del pop Kimura Takuya, ligeramente envejecida y masiva, encaja bien en la piel del malhumorado y maltrecho Manji, y consigue infundirle la cantidad adecuada de sentido del humor y malhumor. Sugisaki Hana como Rin hace lo que puede, pero su personaje no está muy bien desarrollado por el guión, y por tanto la pareja adolece de falta de química. Fukushi Sota es Asano, un poco demasiado cara de chico para el papel quizás, pero no se puede decir que no sea coherente con todo el grupo Ittō-ryū y su estética camp de Manga. La película se presentó en Cannes la pasada primavera y agotó las entradas literalmente minutos después de su venta en el Festival de Cine del BFI de Londres.

23. Call Boy (Daisuke Miura, 2018)

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Daisuke Miura dirige una película que utiliza el erotismo para presentar una serie de comentarios, la mayoría de los cuales giran en torno al deseo y a la verdadera naturaleza de las mujeres, y la película examina este tema en casi todas las épocas. De este modo, la película explora una serie de deseos que podrían considerarse fácilmente como «fetiches», pero que en realidad son bastante más comunes de lo que cualquiera podría pensar, aunque suelen estar enterrados bajo capas de pretenciosidad y una necesidad de parecer «normal». La sinceridad y sensibilidad con que Miura aborda estos temas es uno de los mayores rasgos de la película.

22. Hanagatami (Nobuhiko Obayashi, 2017)

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El «Hanagatami» de Nobuhiko Obayashi es una obra que mezcla la belleza con el conocimiento fatal del conflicto y la guerra. Su carácter experimental en cuanto a la forma complementa un mensaje universal, pero conmovedor, sobre el precio que las personas y el mundo tienen que pagar en tiempos de guerra, los cambios que provoca y las relaciones que destroza.

21. The Blood of Wolves (Kazuya Shiraishi, 2018)

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Kazuya Shiraishi dirige una película muy entretenida, basada en los dos ejes mencionados en el prólogo. El de los «Papeles de la Yakuza» se deriva de la narración de los hechos que no aparecen en pantalla, como de un artículo de periódico, y de la representación de la Yakuza, con su constante sed de violencia, los acentos extremos y los juegos por el poder y la dominación entre las distintas bandas. El eje del «Día de Entrenamiento» deriva de la relación del veterano Ogami y el «novato» Hioka, en la que el primero lleva al segundo de paseo por la compleja política que conforma los vínculos entre el crimen y el castigo, y la situación real de la zona. Sin embargo, Shiraishi lleva este concepto un paso más allá, presentando finalmente una segunda capa en Ogami, que ofrece un giro argumental que da la vuelta a la película por completo, tanto en lo que respecta al veterano, como a su relación con el novato.

20. Shin Godzilla (Hideaki Anno and Shinji Higuchi, 2016)

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Hideaki Anno dirige una película de Godzilla muy diferente, con la ayuda de Shinji Higuchi, que también es responsable de los extraordinarios efectos especiales. La película tiene un ritmo muy rápido y un montaje muy agudo, ya que el escenario cambia constantemente, y la presentación parece un telediario en la televisión. De este modo, y presentando primero las consecuencias, Anno consigue construir la tensión antes de que aparezca el monstruo. Además, mediante las transformaciones (cada una más impresionante que la anterior), consigue mantener la agonía durante bastante tiempo. De este modo, cuando Godzilla aparece finalmente en su forma completa, el impacto es enorme.

19. Like Father, Like Son (Hirokazu Koreeda, 2013)

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Koreeda, que también escribió el guión, pone de relieve dos temas. En primer lugar, la diferencia de clases que sigue existiendo en el entorno urbano de la metrópolis japonesa y el efecto que tiene en la educación de los niños; y en segundo lugar, presenta una cuestión sobre el componente que hace que un hombre se sienta padre. Para demostrar estos dos temas, utiliza casi exclusivamente a los dos protagonistas masculinos, mientras que las mujeres y los niños tienen distintos papeles secundarios.

18. Liverleaf (Eisuke Naito, 2018)

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«Liverleaf» es una película que estoy seguro de que todos los adolescentes disfrutarán. Pero tiene suficientes cosas fuera del drama adolescente para que el resto de nosotros las apreciemos, seas o no fan del manga. Creo que la moraleja de esta historia es que nunca hay que dejar que los adolescentes tengan en sus manos cuchillos afilados, y que la angustia adolescente es una fuerza de la naturaleza que puede volverse mortal, rápidamente.

17. Lowlife Love (Eiji Uchida, 2015)

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«Lowlife Love» es una película sobre la realización de películas, sobre los sueños y las ambiciones, así como sobre lo que ocurre si esta pasión se pone a prueba con la realidad. Con sólidas interpretaciones, especialmente la de Kiyoshi Shibukawa en el papel principal, y un seco sentido del humor en su guión, «Lowlife Love» consigue dar en el clavo a la hora de retratar una industria cuya realidad desafía a menudo los sueños de algunos de nosotros.

16. Miss Zombie (Sabu, 2013)

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La película de Sabu se diferencia de la plétora de películas del género, porque presenta una vida cotidiana que simplemente incluye zombis, en lugar del habitual ataque a los humanos. La tensión se construye de forma lenta pero constante, con los acontecimientos cada vez peores, inicialmente en Shara y luego en Shizuko. Al mismo tiempo, la sensación de que algo muy malo está destinado a suceder impregna la película, induciéndola con una atmósfera de thriller. Esta sensación es uno de los mejores atributos de la película.

15. Miyamoto (Tetsuya Mariko, 2019)

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Tetsuya Mariko dirige otra película sobre un personaje encerrado en un ciclo de violencia incesante; sin embargo, esta vez añade otros dos conceptos igualmente inquietantes, el del amor obsesivo y el de la ley de la selva. El primer concepto se ha representado pocas veces con colores más oscuros, ya que desde el principio se hace evidente que la relación de los dos empezó con que ella lo utilizaba para protegerse de su antiguo novio, pero se convirtió en algo aún peor después de la violación, cuando la venganza se convierte en la única fuerza motriz de Miyamoto.

14. Mr Long (Sabu, 2017)

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«Mr. Long» es un desarrollo interesante para SABU, una extensión de los temas de su obra, concretamente el papel de la espiritualidad en la vida actual, la coincidencia y la dicotomía entre actividad y pasividad. Con su reparto, encabezado por Chen Chang, su narración y su fotografía, la película puede ser una película más convencional para su director, pero también una con una visión más humana de sus personajes. Las reglas o las convenciones pueden ser barrotes de una prisión para algunos, pero también están pensadas para permitir algunas de las cualidades humanas más preciosas que podamos imaginar. De nuevo, siempre es fácil utilizar el cuchillo para destruir, pero se requiere paciencia y comprensión para utilizarlo correctamente.

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13. Mrs. Noisy (Chihiro Amano, 2019)

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Una de las mayores cualidades de «La señora ruidosa» es que habla a mucha gente en su representación de situaciones mundanas descritas en el guión escrito por la propia directora. Tener un vecino molesto es algo que casi cualquiera conoce por su propia experiencia, pero también los prejuicios que solemos construir sobre los demás sin apenas saber nada de ellos. Al jugar con esas cartas y, sin embargo, no construir una pornografía de la miseria a pesar de que hay mucho material para hacer exactamente eso, Chihiro Amano ha conseguido probablemente algo que es una rareza en este tipo de películas: que el espectador se replantee ciertas pautas de comportamiento, y tal vez incluso cambie la actitud hacia la gente en general.

12. Your Name (Makoto Shinkai, 2016)

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Como en un Kumihimo -un cordón trenzado-, los destinos de Mitsuha y Taki se retuercen, se enredan, se desenredan, se rompen y luego vuelven a conectarse. En realidad, toda la película es como una trenza hecha de fuerzas conflictivas y complementarias: lo masculino y lo femenino, lo viejo y lo nuevo, la tradición y la modernidad, el hombre y la naturaleza, la memoria y la amnesia. Con su premisa lúdica y su inspirada conclusión, «Tu nombre» es un viaje rico y aventurero que te lleva exactamente a donde promete.

11. Antiporno (Sion Sono, 2016)

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El diseño artístico de la película es excepcional, y el fondo también desempeña un papel en la película. A lo largo de la película, se hace que el público considere el significado de cada lugar y la interacción entre ellos, ya sea la habitación amarilla, el bosque o la casa. Obliga a considerar los temas alienando repetidamente al espectador y dando una sensación de irrealidad a los procedimientos que te hacen cuestionar tanto los personajes como tu relación con ellos.

10. Hime-Anole (Keisuke Yoshida, 2016)

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Keisuke Yoshida consigue fusionar dos películas en una, de forma elaborada, ya que la transición entre las dos partes es totalmente fluida, a pesar de sus muchas diferencias. El hecho de que la segunda parte, que contiene violencia, gore y sexo, venga después de la primera, que podría ser calificada como PG13, es una táctica muy inusual, pero Yoshida la aprovechó al máximo. Lo mismo ocurre con los mensajes que presenta, ya que la primera parte muestra la vida de las personas que viven en las fronteras de la sociedad y a dónde puede llevarles eso, mientras que la segunda destaca las consecuencias del acoso escolar y la violencia en general.

9. Harmonium (Koji Fukada, 2016)

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Koji Fukada dirige, escribe y edita una película que se dispara con la tensión, a pesar de la calma que parece emanar de los personajes. Sin embargo, acaba brotando de todos ellos. Así, Toshio está atormentado por su pasado y la presencia de Kusataro sólo empeora el sentimiento. Su erupción, sin embargo, llega más tarde, después del horrible suceso, en forma de bofetada. Mariko está reprimida sexualmente y su erupción llega cuando empieza a sentir algo por Kusataro. En realidad, está enfadado y celoso por el hecho de que él fue a la cárcel y Toshio se quedó, consiguiendo tener un negocio y una familia. Su primera erupción se produce cuando la familia hace un viaje al río, pero consigue contenerla. La segunda, sin embargo, es espantosa, en un acto que hace que la tensión sea aún más intensa en la segunda parte.

8. Chiwawa (Ken Ninomiya, 2019)

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El mundo del espectáculo, y en particular su lado oscuro, y el hecho de que los jóvenes japoneses de hoy en día deambulan por sus vidas sin ningún sentido, sólo en busca de cualquier tipo de emoción, son los dos más centrales. La deconstrucción de Chiwawa, que aparece como una chica alegre y despreocupada, pero que se revela como bastante insegura en manos de Sakata, es otro punto central, siendo su espiral descendente la principal fuente de elementos de thriller en la película. La seriedad y el pragmatismo de Miki, sobre todo en lo que respecta a su reconocimiento de que «la fiesta» no puede durar para siempre, es otro aspecto muy interesante, y Mugi Kadowaki lo presenta de forma tan convincente como Shiori Yoshida en su papel de Chiwawa presenta exactamente lo contrario. Este último aspecto (que la fiesta ha terminado), en combinación con la «búsqueda de la verdadera Chiwawa», los efectos visuales, la música y una sensación de nostalgia que impregna la última línea temporal, es lo que me recordó a «Velvet Goldmine»

7. The Day of Destruction (Toshiaki Toyoda, 2020)

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«Días de Destrucción» es una clara prueba de que Toshiaki Toyoda está en plena forma una vez más, y todo lo que podemos hacer como espectadores es sentarnos y disfrutar de lo que el director japonés nos tiene preparado para el futuro.

6. Rebirth (Izuru Narushima, 2011, Japan)

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Izuru Narushima se arriesgó al exponer tanto a la pequeña Konomi Watade (Kaoru) ante la cámara, aunque al final ganó sin duda la apuesta, ya que actuó con total profesionalidad a pesar de su edad. Otro logro suyo es que consiguió retratar a un personaje como Kiwako, cuyo crimen se considera universalmente nefasto, de una forma que la hace parecer la verdadera figura trágica de la historia, lo que hace que el público simpatice con ella al final.

5. Destruction Babies (Tetsuya Mariko, 2016)

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La forma en que Tetsuya Mariko dirige la película es bastante difícil de creer, ya que Taira va de pelea callejera en pelea callejera, en un bucle que parece hacerle más fuerte cada vez que se repite. Sin embargo, aparte de su primera víctima, el resto de sus oponentes se lo merecen en cierto modo, ya que entre ellos hay yakuzas y dos mocosos con el pelo teñido de rubio que deciden burlarse de él. Este combate interminable podría resultar tedioso, pero la dirección de Mariko y la magnífica y silenciosa actuación de Yuya Yagira hacen que sea muy difícil apartar la vista de la pantalla.

4. Guilty of Romance (Sion Sono, 2011)

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Sion Sono dirige y escribe una película que demuestra lo bien que puede manejar lo extremo. Su táctica habitual de dejar poco o nada a la imaginación, encuentra su punto álgido en «Culpable del Romance», tanto en las escenas eróticas como en las violentas. Las primeras son las más exquisitas, sobre todo por la antítesis fisonómica de las dos protagonistas: Megumi Kagurazaka, una antigua ídolo de la gravitación que interpreta a Izumi, es voluptuosa, mientras que Makoto Togashi, como Mitsuko, roza la anorexia.

3. Killing (Shinya Tsukamoto, 2018)

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En esta «apertura» es donde residen los principales comentarios de Tsukamoto: Una vez que se produce la violencia, nadie queda sin afectar, a pesar de su grado de implicación, y el cierre del ciclo es tan difícil como su apertura. Su enfoque hacia la presentación de lo anterior roza el extremo, ya que no rehúye la violencia ni siquiera un poco, encontrando la tendencia su apogeo en la escena de una pequeña cueva, que podría calificarse fácilmente de carnicería. Sin embargo, la cantidad de violencia de la película no oculta en absoluto sus mensajes, ya que su odio por la guerra y la violencia en general se extiende al concepto de venganza, a la naturaleza humana (en cuanto a cómo la gente aprecia la violencia cuando se beneficia de ella) y al hecho de que el manejo de la espada de los samuráis puede parecer impresionante y noble, pero en realidad, su único propósito es matar.

2. A Bride for Rip Van Winkle (Shunji Iwai, 2016)

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Iwai consigue presentar una serie de mensajes sobre la sociedad japonesa, a través de una narrativa relativamente abstracta que entra y sale del surrealismo en varias ocasiones. La falta de comunicación real entre las personas y la «solución» que aportan los medios de comunicación social representan uno de los aspectos más centrales, siendo desastrosas las consecuencias de tomar decisiones vitales basadas en las personas que uno conoce por Internet. El hecho de que el dinero parece comprarlo todo, desde los invitados a una boda hasta los amigos de verdad, es otro, y Iwai incluye una secuencia irónicamente divertida en la que Amuro cuida de varios niños en el parque, teniéndolos realmente atados, como si fueran animales. Las relaciones entre padres e hijos, que van desde lo casi inexistente hasta lo edípico, es otra, mientras que la inutilidad del concepto de matrimonio, que se deriva de las tontas normas sociales y de la constante pretenciosidad, es otra.

1. Shoplifters (Hirokazu Koreeda, 2018)

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«Shoplifters» es un conmovedor drama familiar de uno de los talentos más significativos de ese género en particular. Con un magnífico reparto y la hermosa fotografía de Kondo Ryuto, es una película que merece los elogios que ha recibido y, sin duda, recibirá en un futuro próximo. En muchos sentidos, es una historia no de, sino más bien para nuestro tiempo, ya que las «personas invisibles», como las llamó la actriz Cate Blanchett refiriéndose a la familia en «Shoplifters», están ahí, aunque nos hayamos olvidado de ellas. Y sus historias necesitan ser contadas, necesitan ser tomadas en serio y merecen atención.